Sika Fakambi: Traduire, dit-elle (Tail of the blue bird)

Sika Fakambi, traductrice littéraire, lauréate des prix Baudelaire et Laure Bataillon 2014 pour sa traduction de Notre quelque part du ghanéen Nii Ayikwei Parkes.

Entretien

 

Le métier de traducteur est rarement mis en lumière. Deux prix prestigieux pour votre deuxième traduction de roman, cela change votre vie ?

 

C’est toujours un peu irréel, sans doute, même si cela me ravit et m’honore. Et cela augmente un peu la pression, peut-être. Par exemple, je crois bien que je suis maintenant censée accélérer le rythme dans mon travail : jusqu’ici, puisque j’ai toujours choisi de concentrer mon activité de traduction sur des projets qui me tenaient à cœur, et qu’à chaque fois il s’agissait d’auteurs inconnus en France… d’une certaine manière « personne ne m’attendait »… et de ce fait je pouvais passer des mois, voire des années, sur un texte, sans être jamais sûre qu’il serait un jour accepté par un éditeur. Comme pour le roman de Nii Ayikwei Parkes, dont j’avais envoyé le premier chapitre traduit à différentes maisons dès 2008, sans que rien ne se passe… jusqu’à ce que je fasse la connaissance de Zulma en 2012. 

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Comment avez-vous découvert ce livre?

Depuis le début, je traduis de la poésie, et c’est en faisant des recherches autour du poète de la Barbade Kamau Brathwaite que j’ai « rencontré » Nii Ayikwei Parkes. Il venait d’éditer une anthologie où figurait un poème de Brathwaite, à la mémoire de l’écrivain nigérian Ken Saro-Wiwa, auteur d’un très beau roman intitulé Sozaboy. J’ai tendu l’oreille, j’ai tiré le fil, j’ai voulu savoir de qui Nii Ayikwei Parkes était le nom, en quelque sorte, et j’ai découvert là un jeune écrivain ghanéen, poète primé, déclamant certains de ses poèmes dans la veine du spoken word, et qui achevait l’écriture de ce premier roman, Tail of the Blue Bird. Je lui ai écrit, il m’a envoyé le premier chapitre de son roman, que j’ai tout de suite eu envie de traduire. Autour de ce projet, sans savoir s’il allait ou non aboutir à une publication en français, nous avons correspondu pendant quelques années, avant de nous rencontrer finalement en 2012 au salon du livre de Paris, sur le stand de Zulma, à qui j’avais envoyé le texte quelques mois auparavant et qui avait décidé de le publier. Il est vrai que j’ai un sentiment de connivence avec les écritures du Nigeria et du Ghana, pays proches du Bénin où j’ai grandi, mais mes premières explorations littéraires m’ont plutôt portée très loin des deux univers qui sont les miens au départ, l’Afrique de l’Ouest et l’Europe : et le premier auteur que j’ai voulu traduire a été l’Australienne Gail Jones. Puis j’ai entamé un cursus d’études canadiennes, et peu à peu cette exploration intuitive des « marges » de la littérature anglophone (par opposition aux « centres » que seraient la Grande-Bretagne et les Etats-Unis, largement prépondérants, me semble-t-il, dans les départements d’études anglophones des universités françaises que j’ai fréquentées), m’a ramenée vers l’Afrique de l’Ouest, et plus particulièrement vers les auteurs émergents de l’aire anglophone. 

 

Votre « quelque part » linguistique, quel est-il ? Quel est le déclic qui vous décide à traduire un livre ? Quelles ont été les difficultés de cette traduction ?

 

Il y a d’abord la jubilation et la fascination devant le texte. La principale difficulté était probablement de rendre en français les différentes langues qui imprègnent le roman : entre autres, le pidgin des policiers d’Accra, qui pour aller vite pourrait être décrit comme un anglais créolisé ; la langue imaginaire et imagée du chasseur Yao Poku ; les paroles de sagesse ancestrale portées par les proverbes… Et chacune des langues qui tissent ce récit raconte un monde, une vision du monde. En même temps, je dois dire que cette question des difficultés du texte me met toujours un peu dans l’embarras : d’abord parce que je me rends compte que j’ai du mal à « parler » de ma traduction, à expliquer, par des mots qui ne seraient pas ceux du texte, comment j’ai traduit ceci ou cela, car le geste de traduire est pour moi quelque chose d’assez « organique », difficile à verbaliser. En rendre compte serait, idéalement, de lire le texte traduit en duo avec l’auteur lisant l’original ! Il y a aussi que cette question des difficultés, pour le roman de Nii Parkes, me fait prendre conscience du fait qu’avant tout cette traduction a été un immense plaisir, comme si j’attendais depuis longtemps un texte comme celui-ci, qui me ferait replonger dans cette réjouissante mixture de langues qui a été, qui est pour toujours « mon quelque part » linguistique. 

 

Comment y êtes-vous parvenue ?

 

En faisant confiance à mon oreille d’« enfant du Bénin debout », peut-être… Je plaisante, et c’est curieux que cette expression me vienne comme ça : ce sont les premiers mots de l’hymne béninois, qu’au temps de Kérékou, qui a dirigé le pays pendant 17 ans de « marxisme léninisme », il nous fallait chanter, au garde-à-vous, tous les jours en chœur, toutes les classes de l’école primaire de Ouidah rassemblées devant le drapeau planté au milieu de la cour… Souvenir très ambigu, à la fois oppressant et exaltant, mais à la réflexion ça fait sens, ce surgissement, comme un lapsus, d’une des réminiscences les plus lointaines et pourtant saillantes de mon enfance, parce que cette époque, c’est aussi celle où j’ai pris conscience que je pouvais parler différentes langues et différents français — selon que je m’adressais en français à mon frère, ma sœur ou mes parents (un couple mixte), en mina à ma grand-mère paternelle (qui vivait avec nous), en français de France à mes cousins parisiens lorsqu’ils venaient nous rendre visite ou que nous allions les voir, en fon ou en « français fongbétisé » à mes cousins et copains de Ouidah et Cotonou, en fon aux vendeuses de rue ou aux ouvriers de l’atelier de menuiserie que nous avions au fond du jardin, en fon très simplifié aux bouviers peuhls menant leur vaches dans les champs derrière la maison... Traduire, pour moi, disons que tout s’est sans doute décidé là-bas, dans ce Golfe du Bénin où j’ai grandi, cette enfance entre les langues et les cultures, dont j’ai aimé précisément ça : « être entre ». Pour traduire Notre quelque part, c’est sûrement de cela aussi que je me suis servi. 

 

La façon dont vous traduisez le titre original, Tail of the Blue Bird, en est un exemple ?

Le choix du titre définitif se fait toujours en concertation avec l’éditeur. Le titre original du roman, Tail of the Blue Bird, n’est d’ailleurs pas celui qu’avait choisi l’auteur avant d’envoyer le livre à son éditeur anglais. Il l’avait d’abord intitulé Afterbirth, un mot qui en anglais signifie « placenta »… Toute l’intrigue du roman démarre après la découverte, au milieu d’une case dans un village reculé du Ghana, de restes organiques manifestement humains que les premiers policiers dépêchés sur la scène du « crime » prennent tout d’abord pour de la matière placentaire.

Quand l’éditrice cherchait un titre pour le livre traduit, Nii Parkes et moi avons à sa demande proposé quelques fragments du texte à partir desquels travailler. Cette expression de Yao Poku, « nous étions à notre quelque part », est la traduction littérale d’une expression courante en twi, une parole d’accueil évoquant, de manière plutôt métaphysique, un état de bien-être et de tranquillité. Une journaliste, Salomé Kiner, y a d’ailleurs reconnu le lentus in umbra (« nonchalant sous l’ombrage ») de Virgile, dans les Bucoliques, et j’ai pensé que c’était une belle lecture de ce fragment, qui est un leitmotiv du récit de Yao Poku. En tout cas, l’expression nous a paru intéressante aussi parce qu’elle fait quelque chose à la langue — en français comme en anglais. De cette expression, nous avons extrait « notre quelque part », avec le sentiment que ce titre donnerait au livre en français toute son ampleur — à la fois linguistique, politique, et aussi poétique, car il est en soi très évocateur. « Notre quelque part », cela pourrait être bien des choses pour le lecteur. Ce pourrait être par exemple  la langue au sens plein — celle qui fait de nous des êtres humains. Et maintenant que j’y songe, cela pourrait aussi évoquer un univers placentaire... 

 

Avez-vous rencontré en France l’équivalent de cette diversité linguistique ? Que pensez-vous de ce que la France fait de ses langues ? De sa langue ?

Il m’est arrivé d’entendre parfois des gens, qui par ailleurs se disent grands lecteurs, y compris de littérature étrangère, tenir des propos particulièrement pédants sur les parlers régionaux de France ou de la francophonie, des gens qui, notamment, ont travaillé à gommer leur propre accent régional, et surtout qui affirment ne plus supporter d’entendre, lorsqu’ils reviennent visiter leur région natale, tel accent trop prononcé ou tel parler dialectal… C’est une chose que je n’arrive pas à comprendre, cette forme d’aveuglement, de surdité, devant l’immensité des possibles de la langue française, hors des rigidités académiques. Adolescente, je m’émerveillais d’entendre dans la cour de mon collège-lycée, à Cotonou, toutes les formes que pouvait prendre le français dans nos bouches d’élèves venus d’un peu partout : métis aux origines diverses, jeunes « expats » français ou venus d’autres pays d’Europe, du Québec parfois, ou encore jeunes Béninois, Libanais, Syriens, Indiens… Je me souviens d’ailleurs que je m’amusais à écrire de petits textes dialogués pour essayer de capturer ces parlers « caméléons » que j’entendais autour de moi, dans la rue ou la cour de l’école, où le français populaire d’Abidjan était en vogue, mélangé au verlan qui nous arrivait des banlieues françaises, et aux expressions directement calquées sur le fon de Cotonou... 

 

Le paysage de l’édition française ne laisse pas une grande place aux écritures « multiculturelles »… pensez-vous que vous puissiez contribuer à le faire évoluer ?

J’espère que cela est en train de bouger, justement, grâce à des maisons comme Zulma, entre autres, et parce que je veux croire que l’idée que l’on se fait de la littérature traduite est en train de changer, en même temps que changent les pratiques des traducteurs et celles des lecteurs de textes traduits — peut-être de plus en plus attentifs au fait même qu’ils lisent un texte « étranger », même s’il est écrit en français ? Et j’ai l’impression, oui, que c’est aussi cela, la tâche du traducteur. S’il n’y avait pas eu la réflexion de traducteurs-penseurs tels que Antoine Berman ou Henri Meschonnic, et aussi André Markowicz, ou Laure Bataillon, dont l’essai Traduire, écrire, un petit livre d’entretiens, textes critiques et correspondances, m’a également marquée, j’aurais évidemment eu une tout autre vision de ce métier, de sa pratique, et peut-être que j’aurais écouté moins longtemps que je ne l’ai fait cette petite voix intérieure qui, au fil des années, me disait : continue de traduire. Ces traducteurs ont montré, par leur pratique et leur réflexion, que traduire, cela peut aussi être augmenter le français, « étranger le français ». Faire entendre un français plus vaste qu’on ne nous le fait croire ou qu’on ne veut bien l’admettre : un français qui peut contenir des multitudes.

A quel moment savez-vous que vous avez réussi à traduire un texte ?

Quand je lis le poème ou le paragraphe de prose traduit en français, et qu’il me semble retrouver le souffle, la voix de l’auteur, celle que j’ai perçue au moment de ma lecture de l’original.

Existe-t-il des textes intraduisibles ?

Devant pareille question je me sens toute petite. Je préfère donc m’en remettre à cette possible réponse faite par le poète Adonis qui, invité aux Assises de la traduction littéraire à Arles, en 2003, disait : « La métaphore agit dans le poème comme le feraient des fleuves souterrains. Elle déborde la limite des mots. Par elle, le langage s’ouvre à l’infini. Et si nous ajoutons que les mots dans chaque langue passent par différents âges liés à la culture, à la politique, à l’histoire, aux mythes, nous comprenons l’impossibilité de la fidélité et de l’exactitude en traduction. Les mots dans le poème sont comme des ponts : on ne les traduit pas seulement en tant que tels, mais pour l’espace qu’ils parcourent. A quoi sert de traduire le nuage, si on ne traduit pas l’eau qu’il porte en lui ? De même, on ne traduit pas la tige de la rose, ni ses feuilles : on traduit son parfum. »

« L’inspiration » ou « la grâce » existent-elles lorsque l’on traduit, à quoi les reconnaissez-vous ?

Difficile de me reconnaître dans cette terminologie mais, lorsque je traduis, il peut arriver que je me sente « traversée » par le texte qui s’écrit : je dirais presque comme par une fièvre. Surtout en poésie. C’est ce qui a pu se passer, par exemple, pour ma traduction du poème Georgia d’Andrew Zawacki, ou pour Negus de Kamau Brathwaite, et même pour certains passages du récit de Yao Poku, dans Notre quelque part. Je n’appelle pas cela « inspiration » ou « grâce », d’ailleurs je n’ai pas vraiment de mot pour décrire ce qui me traverse dans ces moments, mais j’en sors comme on sort d’une lecture bouleversante, et souvent le texte qui résulte d’un « premier jet » écrit dans cette sorte d’euphorie ne bouge pas tant que cela ensuite. 

 

Recueilli par Daniel Morvan

La danse carnavalesque d'Olivia Grandville au Lieu Unique

Pour cette création au Lieu Unique de Nantes (19 et 20 janvier 2016), la chorégraphe s'inspire d'un tableau du flamand Pieter Bruegel.

Dix danseurs commandés à distance exécutent les figures cycliques d'un carnaval inspiré d'un tableau de Bruegel: Combat de Carnaval et Carême. C'est l'ambitieuse nouvelle création de la chorégraphe nantaise Olivia Grandville, ancienne danseuse de Dominique Bagouet.

Après une semaine de répétition sur le plateau du Lieu Unique, le public découvrait mardi ce nouveau spectacle. Conçu comme un tableau en mouvement, il fonctionne sur des figures organisées en boucle et commandées par casque audio aux interprètes. Un dispositif qui laisse imaginer une partition inconnue, soutenue par un mix sonore traversé par les Quatre saisons de Vivaldi. Dans l'Europe du 16e siècle, Le combat de Carnaval et Carême représente la transition entre deux temps religieux: le mardi gras et le mercredi des cendres. Ce spectacle travaille aussi l'idée d'une alternance saisonnière de l'excès et de la diète, d'un éternel retour de ces principes qui évoque le cycle des renaissances successives. Il actualise la notion de « culture carnavalesque », dans une composition éclatée, construite en petits tableaux, comme la peinture de Bruegel.
Outre le public nantais, adultes et jeunes lycéens, des participants aux Biennales internationales du spectacle (BIS) étaient présents hier à la première. Pour les autres, il reste une soirée pour découvrir cette passionnante expérimentation, qui rassemble une belle diversité de danseurs.

Ce mercredi 20 janvier 2016 à 20h30. Billetterie: 02 40 12 14 34. Lieu Unique, quai Ferdinand Favre.

Cinéma : Les innocentes d'Anne Fontaine

« Les innocentes » est d’abord un beau film d’histoire. Anne Fontaine s’est appuyée sur l’histoire de Madeleine Pauliac, médecin chef de l’hôpital français de Varsovie, en 1945. C’est dans le cadre de ses missions qu’elle découvrit l’étendue des viols collectifs dans les maternités et les couvents. Auprès des religieuses, son travail consista, à la fois, à les accoucher et à libérer leurs consciences. C’est l’axe choisi pour ce film impeccablement scénarisé : le passage de l’expérience de mort vécue par les sœurs dans le viol, à l’expérience de vie de l’enfantement. Et la remise en question, dans l’imminence d’une série d’accouchements, de l'aveugle discipline conventuelle.


Mathilde, une jeune interne de la Croix-Rouge (Lou de Laâge, parfaite), est appelée au secours par une religieuse polonaise. Elle se rend à son chevet et découvre un petit couvent d’une trentaine de Bénédictines, coupées du monde, dans la plaine enneigée. Elle est amenée à pratiquer une césarienne en urgence, sans aucune expérience, et découvre que plusieurs de ces sœurs, violées par des soldats soviétiques, sont enceintes.

Un lien se noue entre la jeune femme moderne, athée, pragmatique, et ces religieuses terrorisées,  souffrant à peine d’être examinées ni même touchées. Le spectateur lira ce film à la lueur d’un présent où le viol demeure une arme de guerre. En 1945 comme aujourd’hui, la honte et le bannissement, voire la crainte de la damnation, pèsent sur la victime.
Le film d’Anne Fontaine est aussi un « film religieux », au sens où il met en évidence la porosité de la paroi entre le monde profane et le couvent. Le principe de réalité amène chacune de ces sœurs à reconnaître que ce à quoi elles ont renoncé est aussi leur bien et leur identité : être femmes et pouvoir donner la vie.
Et chacune trouvera une réponse différente. Bercé de chants liturgiques, admirablement inscrit dans le paysage hivernal, avec de vrais accents polonais, le film trouve aussi un bon contrepoint dans l’univers très concret de l’hôpital de campagne dont s'éloigne Mathilde. Les cabotinages de Vincent Macaigne font sourire, le temps d’espérer le mieux pour celles qui ont vécu le pire… Un beau film qu'il faut aller voir.
Daniel Morvan.

Constance en mission séduction chez Kim Jong-il: Envoyée spéciale, de Jean Echenoz

Elle se prénomme Constance. Un joli prénom qui ne vous prédispose pas forcément aux missions de charme en Corée du nord. C’est qu’on apprécie son filet de voix, au nord du 32e parallèle. Kidnappée par deux pieds nickelés, Constance est est expédiée en opération séduction chez Kim Jong-il. Cette histoire de barbouzes, entre Jean Yanne et OSS 117, n’est que le prétexte d’une pochade malicieuse dans le goût policier. A vrai dire, on sait déjà que ce grand styliste d’Echenoz est capable de mener son lecteur où il veut: c’est la marque des maîtres. Quand à savoir où ça va, quelle drôle de question!
Daniel Morvan
Jean Echenoz: Envoyée spéciale. Minuit, 312 pages, 18,50€. Janvier 2016

Peintre de la reine, rescapée de la guillotine: Vigée Le Brun

Souvenirs, lettres, listes d’œuvres : étrange assemblage en vérité que ces Souvenirs de la grande portraitiste de l’Europe galante, dont l’exposition se poursuit jusqu’au 11 janvier 2016 au Grand Palais. C’est la première rétrospective française consacrée à Élisabeth Louise Vigée Le Brun, qui fut d’abord saluée par les États-Unis. Les 130 œuvres présentées à Paris composent aussi un véritable tour d’Europe en portraits, au fil des déplacements de l’atelier itinérant que Vigée Lebrun promenait de cour en cour. Dans ses souvenirs, publiés de son vivant, elle fait d’abord œuvre de mémorialiste, non sans évoquer sa formation d’artiste, comme cette visite à Rome où elle évoque l’habitude qu’elle juge déplorable des étudiants de calquer Raphaël à même ses œuvres. Aussi aime-t-on trouver en fin d’ouvrage ses « conseils sur la peinture du portrait » qui nous la montrent au chevalet.
On pouvait donc être à la fois cette grande snob et ce peintre de génie… Et nous tombons d’accord avec le goût de ses contemporains. Ce que ses propres tableaux avaient de si particulier, ils en étaient frappés de la même manière que nous : on célèbre la beauté de ses carnations, le fondu des couleurs, le sentiment de voir le sang animer les chairs de ses portraits. Et son autoportrait au chapeau de paille sera un triomphe féminin… Ce qui ne suffira pas à l’artiste, devenue une star, à réintégrer l’Institut de France, celui-ci étant fermé aux femmes dans cette période post-révolutionnaire où elle est « condamnée » à un vagabondage de luxe. Peintre officiel des monarchies, elle cultive une sacro-sainte terreur du peuple et de l’émeute, et prise le cocon des cours européennes. Descend-elle parfois de son piédestal ? On sait d’elle qu’elle sut exploiter habilement sa beauté, mais aussi qu’elle témoigna d’une forte endurance physique. Ce en quoi ses Souvenirs rejoignent intimement son œuvre, c’est dans son goût pour les paysages, si singulier chez l’une des plus grandes portraitistes de l’ancien régime : peut-être y voyait-elle un autre visage du monde, celui que le romantisme allait bientôt découvrir ?
Daniel Morvan

Élisabeth Vigée Le Brun, Souvenirs 1755-1842, texte établi et annoté par Geneviève Haroche-Bouzinac, Paris, Honoré Champion, 860 pages, 25 €.

Le match des romans 2016: Florence contre Prague

Julia Kerninon / © Daniel Morvan

Roman et développement durable: Banc d'essai comparatif de deux romans de la rentrée littéraire 2016. La « petite rentrée » de janvier est l’autre grand rendez-vous littéraire de l’année. En janvier 2016, 308 romans sont l’œuvre d’auteurs français, dont deux Nantais : Julia Kerninon (29 ans le 21 janvier 2016), pour Le dernier amour d’Attila Kiss (Le Rouergue), et Yan Gauchard (43 ans), pour Le cas Annunziato (Minuit). Le premier met en scène une joute amoureuse entre une riche Autrichienne et un prolétaire hongrois, à Prague. Dans le second, un certain Fabrizio Annunziato se retrouve enfermé dans un musée à Florence. Et choisit d’y rester.

Storytelling et punchline

Le storytelling est la légende du livre. Ce qu’on raconte (ou invente) sur la manière dont le livre est né. Julia Kerninon a commencé à écrire ce roman à 20 ans sur une punchline d'enfer : « Un matin où je me suis réveillée déprimée, j’ai écrit ces lignes : La nuit je trie des poussins, le jour je peins. » Son livre est aussi une visite guidée dans l’empire bicéphale des Habsbourg : la romancière a une tante guide touristique en Autriche.
Pour Yan Gauchard, tout a commencé par une visite au couvent San Marco de Florence, il y a quinze ans. « J’ai monté les escaliers sans attente particulière, raconte l’auteur, et j’ai pris la fresque de l’Annonciation. Oui, j’ai vécu une sorte de syndrome de Stendhal. Une émotion esthétique particulièrement forte. Le soir même, j’ai jeté sur le papier ce qui allait devenir Le cas Annunziato. »

Empreinte carbone et développement narratif durable

Ce critère vise les déplacements géographiques des personnages, s’ils étaient réellement accomplis, et plus globalement la pression environnementale qu'ils exerceraient s'ils étaient des personnes réelles.  Julia Kerninon comme Yan Gauchard atteignent un bon score grâce à deux histoires statiques : huis clos à Budapest pour l’une. Claustration dans un musée, pour l’autre: les héros des deux romans sont dans les critères d'un développement narratif durable (concept de narrative sustainability exposé par Olivier Pontoizeau au colloque Narratologie et développement durable, 2017).
Cependant, plusieurs éléments impactent négativement ce diagnostic d'empreinte écologique. Julia Kerninon pâtit du mode de vie énergivore de son héroïne : Theodora a « passé son enfance à grignoter du caviar à la petite cuiller » et parcourt le monde en avion pour gérer l’héritage artistique de son père, ténor d’opéra. Côté éthique environnementale, Attila est trieur de poussins, activité condamnée par de nombreuses associations.

Charme et bouleversement

« C’est terrifiant d’écrire un livre qui ne dérange personne », dit le romancier Édouard Louis. Nos deux Nantais sont-ils dérangeants ? Il a tout le charme des premières sonates, cet affrontement passionnel entre Sissi et Attila raconté par Kerninon. Ah, cette scène où l’ennemie ancestrale se promène nue, marchant sur les tubes de peinture de son amant…
Le cas Annunziato joue une autre carte, celle d’une étude de cas, quasiment clinique. Ce qui lui permet de revisiter sur le mode pince-sans-rire un grand thème littéraire, celui du prisonnier volontaire par amour (La Chartreuse de Parme). Deux études de virtuosité, certes… Mais bien écrire, n’est-ce pas déjà changer la vie ?

Yann Gauchard Photo Jérôme Fouquet/OF

La touche fashion

Il s’agit d’évaluer le livre en tant qu’accessoire de séduction, sorti d’un sac à main ou lu dans le TGV. Quelqu’un qui lit dans un café aura toujours le dessus, côté séduction. Griffé du logo à l’étoile, le livre des éditions de Minuit est un must du chic, au PMU de Derval comme à la Cigale. Julia Kerninon pâtit de la couverture un peu fade des éditions du Rouergue, malgré un titre qui accroche l’œil.

Dans le buzz ou pas

Avec son écriture survoltée, son prix Françoise Sagan, Kerninon est au top du buzz. On voit bien ce charmant aérolithe briguer le prix de Flore et devenir la coqueluche de Saint-Germain-des-Prés.
Mais Gauchard est un outsider redoutable : Journaliste dans la presse régionale, ce styliste de fond a su mettre à profit un accident de bicyclette pour entrer en écriture. Quinze ans après un frein qui lâche, le primo-romancier signe chez Minuit. Au vélo pourri, la littérature reconnaissante…

Accord vins-livre

On risque ici, pour la première fois, ce critère stylistico oenologique. Et ça fonctionne à merveille: Le cas Annunziato se lit avec un chianti ou un asti spumante blanc, sur des brisures rationnées de pecorino toscano. Le dernier amour d’Attila Kiss appelle un tokay hongrois ou un blanc sec de la rive sud du lac Balaton. Pour les plus aventuriers, Julia Kerninon suggère une palinka, l’eau-de-vie des Carpates hongroises.

Force de conviction

Soyons clairs, on ne croit pas totalement à l’histoire d’amour de Julia Kerninon, mais on croit à son désir de l’écrire. Pur exercice de style, Attila Kiss est juste un sas avant le gros troisième roman qui cassera la baraque, comme le fit Buvard (qui a révélé Julia Kerninon, quoi qu'en disent quelques snobs).
La « suspension consentie d’incrédulité » (moteur de toute lecture) fonctionne mieux avec Gauchard. Peut-être parce qu’il s’est littéralement « tapé la tête contre les murs » pour venir à bout de son intrigue, la rewriter et nous convaincre que rien au monde ne l’aurait empêché d’écrire son roman.

Daniel MORVAN.

Le dernier amour d’Attila Kiss, Julia Kerninon, au Rouergue (128 pages, 13,80 €).
Le cas Annunziato, Yan Gauchard, chez Minuit (128 pages, 12,50 €).

Le Coq, le chanteur qui ne cherchait pas la lumière

Le musicien Thierry Le Coq est décédé jeudi 14 janvier 2016 – le jour de son anniversaire. Originaire du Morbihan, le chanteur installé à Nantes, venait d’avoir 50 ans.

« Il ne cherchait pas la lumière », dit simplement Dominique Marie, son attaché de presse. Mais la lumière, elle était dans ses chansons, souvent mélancoliques, secrètes, intimistes. Et vingt ans après le lancement de son projet artistique, Le Coq continuait sa route. Et s’apprêtait sortir de l’ombre pour faire la promo de son dernier album, version vinyle, quand le cœur a lâché, le jour de ses 50 ans. Un album plus joyeux que les autres, disent les amis…
On l’avait vu chanter dans le Morbihan, au sein du groupe Mauvais Sang, avec Dominique A en première partie… Et aussi en premier partie de Daniel Darc. Thierry Le Coq avait commencé sa carrière dans divers groupes vannetais : Ivamaïn, Mauvais Sang, Candid. Il avait ensuite joué avec Dominic Sonic et, à son arrivée à Nantes, avec des musiciens de la région : Marc Morvan & Ben Jarry, Oldman…

« Il composait une musique intimiste, raffinée mais sans snobisme, dit encore Dominique Marie, mais qui se méritait et portait sa marque d’artiste. » Et c’est la référence de Nick Drake qui vient à l’esprit : même si Lecoq chantait en français, la pop anglo-saxonne et la musique folk et blues étaient bien ses sources d’inspiration, comme on peut l’entendre dans ses récentes vidéos captées à Trempolino.

« Ce garçon étrange »

En 1999, paraît son premier album solo La Fenêtre, aussitôt salué par les Inrockuptibles : « Ces chansons composées à même le bois, sont baignées d’une lumière douce et chaleureuse, refusant l’obscurité cache-misère des minimalistes, préférant regarder dehors en couleurs rosses, plutôt que son nombril à la loupe ».
Deux albums avaient suivi sur le label de Pierre Barouh, Saravah : Interludes en 2002, composé de climats tour à tour orageux ou tempérés. Puis Tête de Gondole en 2005. À nouveau, la critique saluait la singularité de ce « garçon étrange » qui incarnait une certaine idée de la chanson française, « cultivant plutôt un jardin de fleurs carnivores que les béats parterres actuels », selon Christian Larrède.

"Grandes chansons à usage intime"

« D’Arradon » avait suivi en 2009, et enfin « Chaconnes » était sorti en 2013, où éclatait à nouveau le talent d’un « merveilleux chanteur français méconnu ». Chaconnes était réédité en vinyle en décembre 2015, et toujours écoutable sur Bandcamp. « Qu’importe leur anonymat : ce sont des grandes chansons à usage intime, qui chamboulent et rendent maboul, avec leurs mélodies en opaline et leur murmure du son », écrivait le critique musical JD Beauvallet dans Les Inrocks.
Cette réédition en vinyle était « une chose dont Thierry était particulièrement satisfait, estime Dominique Marie. Thierry ne posait pas à l’artiste maudit, mais il était heureux de ce disque plus joyeux que les autres. Et sans parler d’une tournée, il se préparait à remonter sur scène. En pleine promotion de cette nouvelle sortie, il était sur scène, la veille de sa mort. »
Sur Facebook, parmi les hommages, Sylvain Lasco se souvient d’un « garçon discret et attachant. Je garde de lui un moment d’exception où il faisait la première partie de Daniel Darc et où il fît une reprise d’un titre de Moondog fabuleuse… Nous étions une cinquantaine d’heureux élus dans la salle… Darc était seul sur scène avec un pianiste. Thierry était au même niveau que Darc ce soir-là… Mémorable. Son jeu de guitare était très subtil et éblouissant. »

Daniel MORVAN.

Cette femme vous fera faire des films: Sari Turgeman

Sari Turgeman: "En général, celui qui écrit un scénario ne sait pas ce qu'il veut dire" / ©Daniel Morvan

Festival des Trois Continents, Nantes.

Scripte du réalisateur israélien Amos Gitaï sur six de ses longs-métrages, la consultante en scénario franco-israélienne Sari Turgeman a acquis une solide expérience « de terrain » en écriture scénaristique.

Entretien: Sari Turgeman, scénariste, professeur et docteur en scénario

Un scénario, ça n’est pas forcément bon tout de suite ?

Ça n’est jamais bon tout de suite. Il faut plusieurs récritures, y revenir cinq ou dix fois avant que ce qui est écrit exprime vraiment l’idée de départ. En général, celui qui écrit un scénario ne sait pas ce qu’il veut dire. Il est seul, sans miroir. Il développe une idée abstraite sans dialogue avec l'extérieur, et se désespère ensuite de ne pas être compris. Mon travail est de trouver où se trouve la vie, à quel endroit on va pouvoir l’insuffler.

Quelles sont les questions élémentaires que l’on se pose devant un scénario de film ?

Qui est le personnage principal. Souvent, on se trompe, on donne de l’importance à un personnage secondaire. Parfois parce qu’on n’ose pas en donner au vrai héros, s’il vous ressemble et que vous n’osez pas le dévoiler.

Existe-t-il une méthode créative estampillée Sari Turgeman ?

Oui, je publie bientôt un livre : « Voyage du scénario en 84 jours », tiré de mes cours en Israël, qui se déroulent sur douze semaines. Et en hommage à Jules Verne, le maître du voyage à la fois extérieur et intérieur.

Et donc, vos principes à vous ?

Ils sont basés sur la vie. On aime toujours les histoires de transformation, les doubles contraintes. L’idée de conflit, ça paraît abstrait, mais si on dit que le personnage a l’air de vouloir quelque chose et veut en réalité autre chose, ça parle tout de suite davantage. Et j’utilise beaucoup de questions : Pourquoi lui et pas elle ? De quoi ça parle ? Qui est le héros ? Où ça se passe ? Comment le lieu influence le personnage ? Mes consultations sont parfois assez thérapeutiques: je montre qu'une fois que vous cernez le cœur de votre histoire, vous pouvez lâcher prise et vivre votre aventure sans vous perdre dans des recherches vaines. Ecrire, c'est un mélange d'énergie et de structure. Mais la question fondamentale est: de quoi parle votre histoire? Pourquoi est-elle fondamentale pour vous? Faites en sorte que votre scénario contienne votre voix unique et originale: c'est le cœur du scénario.

Un peu comme un réacteur... Et que contient-il, ce cœur?
Quatre éléments: le sujet, un thème universel qui intéresse tout le monde, comme l'amour, la mort, la guerre, la pauvreté... Ensuite, votre intention, qui est votre empreinte originale: nous sommes tous semblables par le sujet, et tous différents par l'intention. En troisième lieu, l'idée originale, la prémice. Enfin, la passion, qui allume l'idée, qui vous permet de mener le projet à terme, à travers toutes ses difficultés.


Partant de là, quelles sont les étapes du scénario?
On commence par le cœur, les prémices, on passe au synopsis, puis au step out line (le séquencier: 100 scènes résumées en une phrase chacune). Puis directement au scénario sans étape intermédiaire. D'abord un premier jet qui fixe toutes les réponses connues aux problèmes posés, sans sous-texte.


Comment êtes-vous devenue consultante en scénario ?


J’ai été scripte sur la plupart des longs métrages israéliens, de Shlomi Elkabetz ou Amos Gitaï. Je viens du tournage, ce moment où le mot « voiture rouge » devient une vraie voiture rouge. C’est là que j’ai appris à analyser la magie du cinéma et à donner mon avis.


Votre méthode donne-t-elle des résultats ?


Oui, les premiers scenarii issus de mes ateliers ont déjà trouvé des financements, une bonne analyse du scénario permet de gagner beaucoup de temps et d’arriver rapidement au stade du tournage. Et Israël est un pays où l’on crée et produit intensément, c’est peut-être dû aux menaces qui nous entourent…

Recueilli par Daniel MORVAN.

Un thriller maritime à bord d'un bateau de pique-nique!

La dernière page de ce livre se referme et, comme ses héros, on n'éprouve plus rien d'autre que l'amertume des atterrages. Rejetés sur le bord par une histoire trop forte, pleine de bruit et de fureur, qui puise dans la tradition lointaine des grands romans maritimes. Nul besoin d'en appeler aux arguments de la "grande fable contemporaine", de la métaphore du voyage comme image de la vie. Sylvain Coher va plus loin que dans son roman précédent, Carénage, plus loin dans la composition d'un roman qui est à la fois roman de mer, thriller empruntant ses procédés au cinéma (celui du flashback), roman d'amour (dans une géométrie triangulaire) et enfin roman fantastique, jusqu'à frôler l'horreur. La comparaison avec le précédent livre se justifie par l'importance accordée au "véhicule": la moto de Carénage nous faisait approcher les héros modernes à la James Dean, le bateau de Nord-nord-ouest (une sorte de day-boat pour les pique-nique nautiques) est lui aussi un explorateur de limites (ces "points de repère éternels sur les grands chemins du monde" dont parle Loti, cité en fin d'ouvrage), et cette liberté rêvée, effrayante, semble avoir pris la place de la baleine blanche d'Achab dans Moby Dick.

Capitaines courageux

Le nom du bateau, Slangevar (slainte! santé, en gaélique) est ironique mais contient aussi le secret de la destination de cette arche. La dimension initiatique est un autre point commun, ce roman ayant pour personnages trois jeunes gens en fuite, cousins de Tom Sawyer et des Capitaines courageux, prêts à tous les risques, à transgresser l'interdit de la frontière (en ceci, frères de tous les émigrants), pour accéder à une vie nouvelle. L'auteur ne révèle pas la raison de cette fuite, réservant ce moment à l'un des épisodes les plus critiques de la traversée, pour conjuguer la révélation d'une menace au risque mortel qu'il fait prendre.

Les références à la peinture sont aussi fortes que celles qui évoquent Jules Verne, Edouard Peisson, Victor Hugo (et ses encres marines bien présentes dans les scènes de tempête)... L'unité de l'ouvrage tient à sa manière de nous conduire vers un sens apparent très binaire (l'opposition première entre terre et mer contenant celles de la jeunesse et du destin, du huis clos et du ciel pur, de l'enfermement et de la liberté) qui ferait de l'océan le lieu de la purification des fautes commises à terre. La révélation tardive vient surprendre le lecteur dans ses attentes, les trois novices engagés dans une course désespérée apparaissent alors comme de vrais héros. Le récit en vient ainsi à dépasser la proposition dramatique de départ: "manquer d'expérience ne peut conduire qu'à l'échec et à la mort" devient: "l'expérience la plus grande s'acquiert dans la confrontation au risque de mort". C'est même le ressort principal du roman d'apprentissage qui, c'est la loi du genre, débute dans les tavernes, où l'on chante dans les langues officielles de la mer, l'anglais et le breton. Avec ce fier proverbe, devise de tous les aventuriers: An hini n'eo ket un aotrou en e vro N'en deus nemet mont d'ur vro all hag e vo (Celui qui n'est pas un monsieur dans son pays, qu'il aille dans un autre et il le sera). Sylvain Coher nous offre un magnifique roman de mer, puisant dans sa propre expérience de voile, ses souvenirs malouins, pour le nourrir du beau vocabulaire nautique, de sorte qu'il n'est rien de plus précis que ce roman des vagues. "Le ciel se maintenait dans une sorte d'obscurité laiteuse venant tremper dans l'eau noire. Slangevar multipliait les effractions. Plus bas, les bêtes suivaient la progression de la quille qui déchirait leur ciel. Avec les fragments luminescents d'une étoile filante. Le grain les surprit et leur ferma la vue, aussi radicalement qu'un poing ganté. Il leur sembla glisser sur un tapis roulant, vers un gouffre dont ils percevaient la rumeur."

Daniel Morvan

Sylvain Coher: Nord-nord-ouest. Actes Sud, 268 pages, 18,70€

Julia Kerninon, elle vient de là, elle vient du slam

Julia Kerninon

Son sens du tempo et du phrasé lui vient du slam. « Je suis née avec le slam nantais, j’ai démarré toute petite en 2001, au Lieu Unique. Les vieux slameurs ont fait mon éducation, ils m’ont appris à me vernir les ongles, ils m’ont ouverte au choc du texte qu’on balance devant un public ». Jolie fille pas rangée, Julia Kerninon carbure à l’adrénaline : la preuve, son premier roman scandé de bout en bout. Buvard, l’histoire d’une élève qui vampirise le maître devient une légende.

Ses parcours nantais portent le signe astral de l’enfance et de la nuit : celle qui fut l’élève des Pygmalion slameurs a d’abord hanté la fête foraine du cours Saint-Pierre, « le truc le plus cool de Nantes », la Patinoire avec son papa, les visites passionnées aux coléoptères mordorés du Museum, avec son ami Pierre. Elle a pédalé dans les voitures d’enfants sur le toit des Galeries Lafayette : « J’y allais avec ma mère, toutes les deux en manteau léopard », avant d’aller prendre un chocolat chez Marnie. Et puis les souvenirs de lycée, à Jules-Verne : « le café Budapest (16, rue de Budapest), qui m’a donné envie d’aller à Budapest, où j’ai écrit Buvard. » Ses amis rockeurs viennent chez elle, pour des brunchs somptueux : la Bohème de Julia, c’était rue Sarrazin. Aujourd’hui, plongée dans une thèse universitaire sur le roman américain et son prochain roman, Attila Kiss, elle revient à ses amours : le bar à tapas et resto « Et la fourmi » (2, rue Grétry). Sa base de noctambule, à partir de laquelle elle a exploré les ressources de la dolce vita nantaise, entre les after du Pickwick’s (3, rue Rameau) et les nuits à l’Éléphant Club (10, place de la Bourse). Et les huîtres bretonnes de Talensac, souveraines après les nuits folles … Mais pas de posture de romancière noceuse, la nuit ne semble laisser aucune trace sur ce visage radieux, malgré l’image de Françoise Sagan qui lui colle à la peau (Buvard a reçu le prix Sagan 2014). Cette vie trépidante d’écrivain ne l’empêche pas de se définir comme une « femme d’intérieur : on aimerait tous une maison au bord de la mer, mais c’est un rêve, car on écrit toujours chez soi, comme un fonctionnaire, avec plein d’autres choses à faire, qui attendent. »

René Martin, l'homme qui fait pousser les festivals de musique

Le fondateur de la Folle journée lance deux nouveaux festivals: l’un à Séoul en 2016, l’autre à Saint-Florent-le-Vieil fin mai. L’un des plus grands organisateurs de concerts reste attaché à ses racines.
Dans son bureau, les piles de disques mangent une partie de la lumière. Rue Anne-Marie du Boccage (le nom d’une tragédienne amie de Voltaire), le CREA œuvre en toute discrétion. Le Centre de Réalisations et d'Etudes Artistiques emploie huit salariés. Une petite structure associative, une véritable ruche qui n’a pas la réputation de papillonner, autour de René Martin. « Tout est négocié ici, c’est un gain de temps, assure-t-il. Et si je fais le compte, nous organisons 1500 concerts par an. » 300 à la Folle Journée de Nantes, les autres dans le reste du monde.
Les deux dossiers en cours sont éloquents. Une méga salle de spectacle vient-elle de sortir de terre à Séoul? La Corée pense aussitôt à René Martin, comme lui pense à la Corée. Il montre la plaquette de présentation du DDP Séoul (Dream Design Play). De cet énorme zeppelin de métal et de verre, émane comme un désir de Folle journée. La délégation coréenne a profité d’un voyage au Japon du maestro nantais pour lui vanter les charmes de leur DDP. « Oui, on peut tenter Séoul en 2016 après le Japon », médite René Martin, évaluant l’économie réalisée sur les frais de déplacement des orchestres et solistes.
Car il ne dit pas oui à tout. « Berlin? Ils me relancent, mais ils ont déjà tout à Berlin. Mais Ekaterinburg, oui. C’est la 4e ville de Russie, le besoin est réel. Tout comme Tel Aviv, une ville d’une forte vitalité: eux aussi ont besoin d’une Folle journée. »
Vu de loin, on pourrait imaginer René Martin en cerveau surpuissant, véritable machine à fabriquer des festivals, des programmes, agencer des concepts. Et c’est le cas!


Mais ça ne dit pas à quoi marche René Martin. Qu’est-ce qui le fait courir? Une passion insensée pour la musique et les musiciens, bien sûr. Le goût de l’organisation, des combinaisons, et la satisfaction de remplir les salles. « Mais il ne faut pas se laisser happer par les grandes capitales, je suis très attaché à mes racines. Il est aussi difficile de remplir une salle de 500 places à Saint-Florent le Vieil qu’à Ekaterinbourg. »
C’est peut-être une clef: ce n’est pas l’ivresse des foules qui l’anime, mais, par exemple, le désir de proposer des transcriptions de lieder de Schumann en secteur rural. Comme quand il faisait écouter le dernier Led Zeppelin à ses copains.
C’est ainsi qu’il a imaginé Le Rivage des voix, dans le village de Julien Gracq à Saint-Florent. « On m’avait sollicité pour organiser le concert de l’inauguration de la maison Gracq, et j’ai découvert une thèse sur Julien Gracq et la musique. » La passion de l’écrivain pour l’opéra, découvert au théâtre Graslin, et sa passion pour Wagner, « tellement surprenante de la part de ce personnage effacé. j’ai iamginé une petite Folle journée des voix, avec des formations comme la capella de Saint-Petersburg, le meilleur chœur du monde... ».
Gracq wagnérien. René Martin, fils de commerçants et ancien batteur de rock qui s’exporte dans l’Oural... Les auteurs ne ressemblent jamais à leurs œuvres. René Martin a lui aussi, bien caché, une fibre, le goût de l’écoute, mais aussi quelque chose de plus chevillé au corps. Il a créé les Folles nuits de Marseille, Nîmes, Grenoble, Noirmoutier, à la salle Gaveau, des festivals à Tours, La Roque d’Anthéron (35 ans cette année), La Grange de Meslay... C’est l’organisateur de concerts classiques le plus courtisé du monde, ses prix sont ceux des artistes, pour qui entrer dans le sérail vaut tous les sacrifices.
Mais ce petit-fils de paysan a aussi à cœur d’animer une « vraie saison musicale à Héric, le village de mon grand-père. J’accorde la même importance et la même écoute à Héric qu’à Tel Aviv. Et si j’évolue dans un monde de forte densité communicationnelle, ici à Héric, je suis juste un gars du pays. Et il viendront à 700 écouter du piano. Juste parce que je suis l’un des leurs. »
Daniel Morvan.

“Rose et vert comme un film de Demy”

Cette année 2013, la rentrée littéraire, c’est 555 livres. Et Lucia Antonia, funambule est de ceux-là. Rencontre avec Daniel Morvan, auteur de ce roman “merveilleux et grave” qui fait les beaux jours de la critique, des libraires et de la blogosphère… et des lecteurs.

Même si vous avez déjà écrit quatre livres, Lucia Antonia, funambule est le premier à faire la rentrée littéraire. Comment vivez-vous cela ?
Ça fout les jetons et vous vous sentez tout petit. Surtout lorsque votre éditeur (Zulma, NDLR) vous dit qu’il en a imprimé 6 000 et que la mise en place en librairies est importante.
Comment avez-vous rencontré Lucia Antonia, funambule ?
C’est un livre sur ma fille Mathilde (la chanteuse Mathilde en juillet, décédée en janvier 2010, NDLR). Mais je ne voulais pas faire de ce livre, un truc de vieux con qui édifie un tombeau. Je ne me reconnais pas dans le travail de deuil qui implique un retour à la normale. Ce qui n'est absolument pas le cas.
Il est évident que votre livre voit au-delà de votre histoire…
Mon éditrice, Laure Leroy, et moi voulions qu'il soit reçu comme un conte “merveilleux” et grave, rose et vert comme un film de Jacques Demy. Lucia Antonia, funambule ne devait pas être un de ces textes de deuil comme il s’en publie souvent.
Au-delà du fond, la force du livre réside aussi dans sa forme, dans cette écriture découpée en fragments…
La narration fragmentée, c’est une mini trouvaille. C’est avec cet outil que j’ai décidé de raconter l'histoire de Lucia Antonia endeuillée par la chute de sa partenaire funambule, son double lumineux. Le puzzle s’est construit naturellement. Même si écrire sur le deuil ne vous rend pas bavard, il n’y a pas eu de souffrance.
Quel est votre sentiment face au retour critique élogieux que connaît votre livre ?
Ça serait dommage de prendre la grosse tête sur un livre aussi personnel. Par contre, la transmutation du chagrin par les mots fait un bien fou à l’entourage.

Propos recueillis par Arnaud Bénureau

La loi Veil racontée par Mazarine Pingeot

Il y a quarante ans, Simone Veil défendait son texte légalisant l’avortement. La fille de François Mitterrand cosigne le scénario d’un téléfilm sur ce combat emblématique.

Mazarine Pingeot a récemment fêté ses 40 ans. Le même âge que la loi que Simone Veil, alors ministre de la Santé du président Giscard d’Estaing, parvint à faire voter après trois jours de débats intenses et de tractations, le 29 novembre 1974. La fille de François Mitterrand a également cosigné (comme scénariste) un téléfilm vu par 4 millions de personnes, en novembre dernier : « La Loi ». À l’occasion de sa sortie en DVD de ce film de Christian Faure, elle vient le présenter à Nantes.



Pour raconter ce combat, Mazarine Pingeot a voulu éviter l’écueil d’une biographie filmée de Simone Veil : « Simone Veil s’est très peu confiée. Il était impossible de tricher avec la vérité et de montrer une vie personnelle qu’elle a toujours voulu protéger. Il était plus intéressant de faire un vrai film politique sur la manière dont se construit un vote de loi, avec du suspense, même si tout le monde en connaît l’issue. » Le film donne un coup de projecteur sur les coulisses d’une bataille politique dont l’enjeu de société était, alors, « partagé par la majorité : s’il ne faut rien tenir pour acquis, à l’époque la société était pour la loi Veil ».


Son principal étonnement, en écrivant ce film ? « Le plus hallucinant est certainement la désinhibition de l’antisémitisme qui s’est déchaîné sur Simone Veil. Et toute la violence qu’elle a subie, les injures, les croix gammées peintes en bas de chez elle, était associée à la Shoah. On ne pourrait plus parler comme ça, en articulant l’avortement et la Shoah dans le même discours ».
C’est Emmanuelle Devos qui porte ce personnage d’ancienne déportée, déterminée à stopper la « boucherie » des avortements clandestins. « Les exigences de la télévision nous ont amené à introduire le personnage de la jeune journaliste interprétée par Flore Bonaventura. Elle nous permet un aperçu sur la vie civile, suit les débats et fait des reportages. »


Pour Mazarine Pingeot, l’écriture de ce film (avec ses amis Fanny Burdino et Samuel Doux) n’est pas un projet isolé. Avec une « bande d’amis » auteurs et réalisateurs, elle travaille à la production de deux films de cinéma, dont l’un avec Joachim Lafosse (lauréat du festival Premiers plans d’Angers, auteur du remarqué A perdre la raison, avec Tahar Rahim et Émilie Dequenne). Après un clash médiatique avec Éric Zemmour sur la Cinq, elle envisage aussi de reprendre son émission philosophique Les grandes questions, et coanime un blog politique (1). Ce blog nouveau né est l’un des multiples espaces d’expression de celle qui fut l’enfant secrète du Président, et témoigne aujourd’hui, dans ce film, de son admiration pour une grande femme politique, Simone Veil.


Daniel MORVAN.
Lundi 11 avril 2015 à 18 h, au forum de la Fnac de Nantes : Mazarine Pingeot et Samuel Doux.
1 : http://poliscite.com/
Arno Lam

Véronique, comment crois-tu que la musique vienne

Entretien


Pas vraiment un secret : la tournée « américaine » de Véronique Sanson en France casse la baraque.
Au programme, des chansons tirées des trois albums Le maudit (1974), Vancouver (1976) et Hollywood (1977). Composées alors que Véronique Sanson vivait aux États-Unis avec son mari, Stephen Stills. « Le plus réussi, le plus abouti des trois est Hollywood ; je crois avoir capté toute la magie de la musique américaine avec ces arrangements de cuivres, ciselés par le trompettiste Steve Madaio. »

Ces chansons sont aussi l’autoportrait d’une femme qui appliqua la maxime de Blaise Cendrars : « quand tu aimes il faut partir ».
Le public avait-il écouté la pianiste entre ses lignes ? La chanteuse n’entend pas réveiller les vieilles blessures. À 65 ans, elle chante ses tubes sans nostalgie, « comme si je me replongeais dans un roman passionnant, au détail près que j’en suis l’héroïne, et que mes chansons, je les vis sur scène. Le Maudit (qui est une sorte d’autoportrait) continue de m’émouvoir. »
Les succès de cette décennie bénie ? Une avalanche de compositions parfaites, qui parlent de fugue, de solitude, de trahison : Aucune n’a pris une ride, ni Bernard’s song, ni Je suis la seule, ni l’imparable Vancouver, qui dit le meilleur de cette dérive folle et féconde, où VS réinventait la chanson aux meilleures sources.
Et comment crois-tu, Véronique, que la musique vienne ? Ça la fait rire, qu’on lui retourne en question un titre de chanson : « Comment ? Mais en l’aimant, en croyant en elle, en la malmenant. J’en aurai entassé, des idées de chansons. Sur des paperolles, des tickets, des boîtes d’allumettes, sur ma main. Toutes mes chansons sont nées comme ça, attrapées avant qu’elles ne s’en aillent, sur des petits papiers. » 

C’est comme ça que s’est écrite Ma Révérence, la plus belle de toute. Véronique la chante mais ne tire aucune révérence : un nouvel album est confirmé pour bientôt, et une autre tournée… « Aller de ville en ville, ça je l’ai bien connu… »

Daniel Morvan

Jeudi 26 mars : Zénith de Caen. Vendredi 27 mars : Zénith de Nantes.

Photo: DR

Opéra La ville morte : quels jolis spectres !

Chacun dans sa case, les vivants comme les morts, et les spectres seront bien gardés. L’argument de La ville morte peut sembler un peu mince, avec une fin qu’éviterait un apprenti scénariste (ce dénouement en forme de rêve, qui désamorce la dimension fantastique du thème, semble avoir été imposé par le père du compositeur). Mais c’est par sa musique que l’opéra La ville morte est entré dans le répertoire, et se joue partout dans le monde. Erich Korngold était le petit Mozart de la Vienne des années 1920, celles de Stefan Zweig et Freud. Sa musique à facettes est un déluge de décadence gothique. La « mélodie infinie » charrie de belles pépites, comme la chanson de Marietta (Glück das mir verlieb, le bonheur qui m’est resté), grand numéro d’opéra mais aussi air à la mode qu’on pourrait fredonner sous sa douche. On trouve aussi des sonneries de cor et de cloches, incarnant la religiosité pétrifiée d’un veuf garde-fantôme. Au-delà de la trouvaille d’une scénographie compartimentée, qui gomme le réalisme macabre de Bruges-la-morte, le metteur en scène Philipp Himmelmann sait habilement mixer le Thriller de Michael Jackson avec le Vertigo d’Hitchcock (une autre histoire de sosie), pour donner à cette œuvre des couleurs contemporaines. Et quel joli spectre qu’Helena Juntunen, Marietta aux airs de Carmen d’outre-tombe !
Daniel Morvan.
Au théâtre Graslin, Nantes, mars 2015. Et reprise à l'Opéra National De Lorraine (Nancy) où il a été initialement créé, du mardi 21 avril 2015 au jeudi 30 avril 2015.

Librairie l'Esprit Livre: Une funambule tombe

 

La vie de Lucia Antonia, est en suspens depuis qu’Arthénice, sa partenaire à la vie comme sur le fil, n’est plus. Pour ne pas se taire ou pour faire durer à jamais les jours heureux, Lucia Antonia tient le journal de leur histoire commune. Veut-elle conjurer le mauvais sort qui s’est abattu sur le cirque ou tient-elle tout simplement à fixer à jamais le souvenir d’une Arthénice de plus en plus évanescente ?

Lucia Antonia, funambule est un éloge, une ode à ces artistes qui risquent tout pour atteindre la grâce de l’équilibriste. Daniel Morvan par son phrasé si précis, délicat et poétique accomplit le miracle de nous conférer la légèreté de ces acrobates. Le temps d’une lecture, le réel s’estompe, le sublime s’affirme et l’on ressort ébloui. 

LE coup de cœur de la rentrée littéraire 2013 pour L’Esprit Livre !

Lucia Antonia, funambule: "une dinguerie de sable blond, d'oiseaux et de cirques"

© Bernard Galeron


Voici un roman atypique que nous offrent à lire les éditions Zulma en cette rentrée littéraire 2013 arpentée par le bruit des canons. Délicat, déconnecté du chaos, entre terre et mer, entre songe et oubli, Lucia Antonia, funambule est un roman perché, à contretemps, empreint d’une dinguerie joliment surannée faite de sable blond, d’oiseaux des marais et de cirques de province.

« Lucia Antonia », narratrice de son état, est une funambule. Sur le fil de l’existence, elle ondule, basculant d’une rive à l’autre. A ses côtés Arthénice, sa  romanesque jumelle de funambulisme prenant la pose pour des peintres égarés dans des moulins sans âge. Puis, un jour, la chute, le vide. Arthénice s’éclipse du monde des vivants pour le hanter de sa grâce. Endeuillée de cette lumière gémellaire, de son déséquilibre dans l’équilibre, Lucia Antonia s’exile sur une presqu’île sauvage où s’orchestre l’amertume de la réminiscence. Terre saline que foulent des réfugiés à peau sombre. Recommencer ailleurs, se perdre parmi l’indolence des herbes folles. Suspendue au vide, Lucia Antonia se souvient des jours heureux. En guise d’exorcisme, quelques mots croqués sur un carnet, ça et là. Pour que le deuil ne soit pas que cette urne de cendres éparpillées par le vent. Au creux d’un paysage d’une sensuelle hostilité, des rencontres, des mains inconnues pour renouer, un nez rouge sur le visage d’un clown du passé, des femmes toujours là, tisseuses du présent.

Dans ce climat propice à la contemplation à mi-chemin entre les rêveries de Fournier ou mieux encore celles plus vénéneuses de Nerval, Daniel Morvan déploie tout en discrétion et sans pathos le cheminement du deuil et l’infinie douleur de l’absence. Ce saut de l’ange sans filets que seuls les esthètes cisèlent telle une dentelle noire dont la trame vous poursuit longtemps. Obsédante de raffinement.

Un court roman revêtant avec classe ses habits du dimanche, sans tambours ni trompettes. Une invitation à la mélancolie aussi légère que la vie est grave. Simplement beau.

Astrid MANFREDI

Lucia Antonia, funambule: l'article de Hubert Artus (Lire)

C'est un livre court, le récit de deuil, et il vous envoie dans les étoiles. Celles que voient les funambules, ces artistes de la chorégraphie et de la suspension. Celles où demeurera toujours la lueur des personnes qui vous ont été chères. Arthénice était le "double lumineux" de Lucia Antonia. Leur "numéro de jumelles" était le clou du spectacle de la troupe, fondée il y a longtemps par le grand-père de Lucia. Mais un jour, lors d'une tournée en Italie, Arthénice tomba, et se tua.  

Sur la piste aux étoiles de Daniel Morvan, la vie tournoie

Depuis, la survivante est une "saltimbanque sans cirque, invisible parmi le peuple des oiseaux". Elle a quitté la troupe et est restée en Italie, d'où elle écrit les "carnets" qui composent ce livre: "Les pensées que j'ai d'Arthénice me sont dictées par elle depuis son séjour dans les limbes des équilibristes. Je les laisse donc venir sans honte et les consigne ici malgré la promesse faite à mon père de ne rien écrire. [...] J'écris pour me taire et ne penser à rien." Notre équilibriste n'a plus de fil, et évoquera dans un ordre aléatoire son pacte avec la défunte, l'histoire de la troupe, les personnes rencontrées durant l'écriture des carnets, ou encore l'art qu'elle pratique: "Le funambulisme m'a appris à observer du point de vue le plus élevé, celui de l'effraie sur sa proie nocturne, de l'orage sur l'étang." Et, bien sûr, l'accident.  

Cette façon de jongler avec les thèmes, de les prendre, les lâcher, les retrouver ensuite, permet à Morvan de parvenir jusqu'à l'âme même de son sujet: comment marche la mémoire de quelqu'un qui passe sa vie en l'air, en équilibre, avec mission de ne pas chuter à terre? Comment fonctionne la psyché d'une femme qui vit dans un monde parallèle et féerique, au milieu de déguisements, de clowns, de jongleurs, de saltimbanques? 

Daniel Morvan a lui-même perdu un enfant, et on saluera la pudeur d'une fiction tournée vers le dehors de soi. Porté par une écriture minimaliste et visuelle, Lucia Antonia, funambule prend de l'envergure au fil de la lecture, et devient une réflexion tournoyante et poétique. Après quatre romans publiés dans des éditions régionales (Ouest-France, Coop Breizh), voici celui qui devrait apporter à Morvan une autre place, entre les lettres et les étoiles.  

Hubert ARTUS (magazine Lire, septembre 2013) 

En savoir plus sur http://www.lexpress.fr/culture/livre/daniel-morvan-tombe-du-ciel_1284431.html#m7YUZBH7mo5MCuH5.99

Pourquoi on aime tant la Folle journée ?

Parce qu’on peut y croiser, dans l’escalier, un chef ébouriffé et ce jeune garçon dont la valise contient un Stradivarius ;
Parce que les concerts sont souvent courts et qu’on peut y emmener les enfants ;
Parce que les filles trouvent que la Folle journée c’est un super plan beaux mecs;

Parce que les mecs trouvent que la Folle journée c’est un super plan belles filles

Parce qu’on y entend de la musique non-amplifiée et du vrai son, et qu’un seul violon peut faire vibrer une salle de 1900 places ;
Parce qu’on peut y voir un gros monsieur avec un petit violon et une dame fluette avec un grand violoncelle;

Parce qu’elle sait nous parler de l’Histoire en nous faisant frissonner, comme la voix de Marita Solberg chantant les complaintes de Gorecki ;
Parce qu’elle est cool avec Francesco Tristano, qui joue du Bach et termine la soirée au piano bar ;
Parce que Michel Corboz y dirige une passion de Bach à 81 ans, et que la violoniste franco-coréenne Irène Duval n’a que 22 ans;
Que les enfants applaudissent dès que les instruments ont l’air de s’arrêter, preuve que les codes ne sont pas figés;
Parce que la musique s’y déroule comme un beau film en blanches et noires, et que ça raconte à chacun ce qu’il a dans le cœur, et que ça parle à chacun et à tous, partout sur la planète.


Daniel Morvan

Prof à la Sorbonne, addict aux faits divers

Dominique Barbéris, romancière. © éditions Gallimard

 

 

Vous enseignez l’art d’écrire dans un atelier d’écriture à la Sorbonne. Vous avez un truc pour construire un roman ?
Franchement, la construction n’est pas mon fort. Chacun anime son atelier selon ce qu’il est, et je pars du fait qu’un texte tient d’abord par la qualité de sa langue, aussi mes cours sont-ils orientés selon cet axe. Lorsque j’écris, la structure du livre ne se dégage que lentement, j’écris une première phrase et les images viennent. Ainsi, mon dernier roman, La Vie en marge, est d’abord un livre sur la neige. Une fois que j’ai cette atmosphère, j’essaie de trouver une histoire. Par exemple en puisant dans les faits divers : pour ce livre j’ai pensé à l’affaire Dupont de Ligonnès. Je suis un écrivain de la description, je considère que décrire c’est penser. On a parlé d’atmosphère à la Simenon à propos de mes livres, mais je n’en ai lu qu’un, qui ne doit pas être le meilleur…

Mais vous êtes aussi connue comme préfacière. Quels sont les livres qui vous inspirent ?
J’adore les romancières britanniques, pour leur humour triste, les amours entre célibataires de campagne et pasteurs anglicans. Barbara Pym est capable de montrer des gouffres de solitude à travers le contenu d’un filet à provisions, et cette faculté de montrer de grandes choses par des petites choses est tout l’art des romancières anglaises que j’admire.

Mais il aura fallu l’Académie de Bretagne pour dévoiler vos origines nantaises…
Ma famille est de Montbert et a ensuite vécu à Orvault. J’ai été élève à Saint-Félix et Saint-Dominique, mon père était fonctionnaire à l’outre-mer, puis au service état-civil du Ministère des Affaires étrangères. J’ai vécu à Nantes entre les 11 et mes 18 ans, mais cela ne s’est pas su avant que l’Académie le remarque !

La Ville, titre de votre premier roman, s’inspire de Nantes ?
Oui, il y a quelque chose de Nantes, en particulier Madame de Senonnes, le tableau d’Ingres. J’adore son décolleté, que je n’aurai jamais !

Normalienne et agrégée, vous avez été une brebis égarée de l’enseignement ?
J’étais sans doute plus adaptée aux concours qu’à l’existence, et mon trajet oscillant m’a même conduite dans l’univers de l’entreprise. Un groupe d’assurances où j’ai été repérée comme divergente en moins d’une semaine. On m’appelait « la Sévigné du groupe », je portraiturais les chefs de service, c’était une atmosphère rance d’élastiques récupérés, on m’a jugée insolente et on m’a virée sans indemnités. Mon chef de service, qui m’avait d’abord jugée distrayante, m’avait fait promettre de ne pas écrire de roman sur l’entreprise. Mon roman Les Kangourous est inspiré de cette expérience.

Recueilli par Daniel Morvan.
La vie en marge, éditions Gallimard, 2014. 178 pages, 15,90 €. Prix Christine de Pisan.